¿Qué necesito para subir mi música Spotify?

¿Qué necesito para subir mi música Spotify?

¿No tienes tu música subida a Spotify? Pues ya tardas. 

¿PORQUÉ SUBIR MI MÚSICA A SPOTIFY?

¿Ya te has decidido? Esto es lo que tienes que saber:

NECESITO

ARCHIVOS DE AUDIO: deben ser entregados con unas condiciones técnicas mínimas. El formato habitual de entrega es

 wave  a 44.1 kilo hercios y 16 bits

Es el formato standard que tiene cualquier CD. Aunque luego las plataformas lo comprimen y aplican algoritmos (Ogg enSpotify o AAC en iTunes) para que los archivos ocupen menos espacio y se adapten mejor al tipo de escucha online (ruido de fondo, auriculares, altavoces de de ordenador etc.). El formato MP3 no suele ser aceptado ni recomendable. Lo mejor es partir de la mayor calidad posible. Si después por el camino se va perdiendo datos, que esto afecte lo menos posible al resultado final.

Mención merecen algunas plataformas que cuidan especialmente la calidad de audio (Naxos Library o Tidal). Eso si, acostumbran a ser más caras.

La plataforma va a revisar el tipo de archivo de audio que envías, pero no la calidad de la grabación en si misma. Te corresponde a ti vigilar que no tenga clics, saltos u otros defectos.

Muchas veces se hace un mastering especial para la subida a plataformas. Ten cuidado con esto porque si el técnico de sonido simplemente comprime el audio,y luego las distribuidoras online   le añaden sus propios algoritmos de compresión puedes acabar con una perdida de calidad apreciable en el resultado final.  

ISRC: es un código que se asigna individualmente a cada canción. Gracias a él se puede seguir la pista de la reproducción de cualquier canción en las plataformas de todo el mundo y a partir de aquí reclamar tus derechos.

No es necesario que el ISRC vaya incrustado en el archivo de audio que subas. Se puede añadir después.

Hay muchas formas de conseguir el ISRC. Puede ser que te lo proporcione la empresa discográfica con la que has grabado, la empresa de mastering, la empresa que te edita el CD o los que hacemos el upload.  El precio puede ser muy variado, unas plataformas que te lo dan gratis a cambio de que publiques con ellos,  otras lo cobran pero entonces es más barato publicar etcétera. Hay muchos tipos  diferentes de contratos y ofertas para subir tu música a Internet aunque, en realidad, todo son variaciones unos pocos elementos.  El margen de maniobra para los que trabajamos es pequeño y te recomiendo que valores el trato personal, la atención individualizada a tu música y la claridad y honestidad en el contrato. Muchos artistas pierden fácilmente el control sobre sus uploads en las grandes plataformas.

Es importante que guardes la información sobre el ISRC para posibles cambios de discográfica o re ediciones. Pero si no los encuentras siempre puedes consultar en esta web abierta

 isrcsearch.ifpi.org

DISEÑO: la mayoría de las plataformas tan sólo utilizan la portada del álbum. A veces te pedirán todo el material gráfico que puedas aportar (diseño del CD, fotos de promoción...), pero no es imprescindible.

Es muy importante que la resolución de la portada sea de buena calidad. Hay plataformas, como  iTunes, que son bastante exigentes en cuanto a una calidad mínima de diseño gráfico para mostrar en tu perfil y pueden bloquearte la publicación hasta que les proporciones una aceptable (te lo digo por experiencia propia)

Técnicamente  la caratula debe cumplir con las siguientes especificaciones mínimas:

1500 x 1500 pixeles

definición de 300 dpi

formato de color RGB.

ecesito para subir mi música a Spotify

NO NECESITO:

SELLO DISCOGRÁFICO: hoy en día no es imprescindible para poder subir tu música a Internet. Tampoco es mucho lo que un sello discográfico puede hacer por ti en Spotify. A no ser que sea una de las majors (Sony, Universal, Warner) muchos sellos pequeños no tienen opción a para colocar sus canciones en las listas oficiales o páginas de entrada. Los descubrimientos semanales, canciones sugeridas y demás funcionan (según Spotify) de forma autónoma con sus algoritmos, que analizan lo que escuchan personas con gustos similares a los tuyos para ofrecerte más canciones sin que haya una "mano" detrás intentando influir en tu elección.

SGAE: las canciones subidas pagan derechos a la SGAE (u otra Sociedad de Autores según el país). Pagan un tanto por cada canción reproducida o descargada. Estos derechos los paga la misma plataforma de upload y te los descuentan antes de abonarte los royalties.

Todas las plataformas tienen que rendir cuentas a las diferentes sociedades de autores pero tu no tienes que preocuparte de ello. En realidad, es la manera más segura de que recibas tus derechos cómo autor . 

Esto es una ventaja con respecto a la edición de CDs físicos, donde pagas por cada CD fabricado, lo vendas después o no.

¿PAGAR O NO PAGAR SGAE?

CÓDIGO DE BARRAS: el código de barras sirve para identificar tu obra de una manera física en tiendas, bibliotecas... Cómo todo el proceso es digital, no lo necesitas.

¿Con esto hemos acabado? pues no. Hay dos aspectos más que te quiero comentar.

Dos cosas que no te voy a pedir para realizar el upload pero que considero muy importantes que las tengas.

NECESITAS AUNQUE NO TE LO VOY A PEDIR

DEPÓSITO LEGAL: Es la única prueba real de que la grabación es de tu propiedad.  

TODO LO QUE NECESITO PARA EDITAR MI CD.

No es necesario que lo añadas a la documentación , pero te recomiendo tenerlo.

REGISTRAR TUS OBRAS EN LA SGAE: para hacer el upload no tienes que presentar ninguna documentación de que tus obras están registradas en la SGAE.  Pero yo no subiría mi música sin tener bien atados mis derechos de autor. Así nadie se la podrá apropiar. Nunca sabes hasta donde puede llegar tu música en Internet.

 CÓMO PUEDO AYUDARTE

 Puedo hacer que tu música esté en todas las plataformas sin que pierdas su control. En insitumusic.com te ofrezco un trato justo y gestión transparente.  
 
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Antonio-Velasco-InSitu

© Antonio Velasco Polonio 2017, compositor, técnico de sonido profesional y productor en InSitu grabación y edición musical www.insitumusic.com.

Licencia Creative Commons
¿Qué necesito para subir mi música Spotify? por Antonio Velasco Polonio se distribuye bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-SinDerivar 4.0 Internacional.
Basada en una obra en http://www.insitumusic.com/.

FEDOR VESELOV: EL DESCUBRIMIENTO (piano contemporaneo catalan) /Proyecto de crowdfunding

Fedor Veselov
Quiero presentarte este proyecto, gran proyecto, de micro mecenazgo (crowdfunding) en el que estoy participando y que me entusiasma por varios motivos.
 
LA GRABACIÓN DEL CD: "PIANO CONTEMPORANEO CATALÁN: EL DESCUBRIMIENTO"
 
El primer motivo es, sin duda, poder trabajar con un músico de gran calidad y proyección cómo el pianista Fedor Veselov. Segundo, porque es un proyecto de micro mecenazgo, que no es el futuro, sino una realidad para muchos proyectos musicales. Y, por último, porque es un proyecto de música clásica contemporánea, algo muy cercano a mí cómo compositor, músico y miembro de la Junta de la Asociación Catalana de Compositores.
 
Ya sé que Fedor tiene un gran currículum (ganador de premios internacionales, actuaciones en grandes salas, TV etc.) y no me cabe duda de que está destinado a hacer grandes cosas en el mundo de la interpretación. Cualquiera puede leerlo en Internet. Pero, aparte de sus méritos musicales, para mí ha sido muy importante el descubrir en él a una persona apasionada por la música, con una gran fuerza interior, capacidad de trabajo y mucha dedicación. Además de sentir un verdadero amor por la música clásica contemporánea. El proyecto nace porque él cree de verdad en el repertorio que propone y quiere mostrarlo. 
 
 ¡La campaña de comienza muy pronto en la plataforma Verkami!
 
 
Se trata de grabar un CD de piano clásico contemporáneo con obras de algunos de los compositores catalanes actuales más importantes. Todos han sido seleccionados por el propio Fedor. No pretendemos que sea un CD para iniciados, sino una puerta de entrada para aquellas personas que aún no conocen de la música clásica contemporánea y un plato de "delicatessen" para los que ya son "coinesseurs".
 
Fedor nos va a mostrar toda la inventiva y musicalidad que estos compositores pueden desarrollar dentro del lenguaje de nuestros días.  Puedo  asegurarte que el resultado será un CD espectacular interpretado con gusto, pasión y técnica por Fedor Veselov. 
 
La grabación la haremos hacia finales de junio. La edición de audio y las mezclas se realizaran durante durante el verano en el estudio. Yo me encargaré de todo el proceso de grabación y edición musical.
 
En octubre podrás recibir el CD en casa o en el concierto de presentación que haremos en esas fechas. 
 
La artista rusa Elena Orlova nos ha hecho una fantástica ilustración al estilo impossible world. Aún es sorpresa hasta que empiece la campaña.
 
Los premios, por supuesto, incluyen el CD, pero también algunas cosas muy chulas cómo carpetas, USBs personalizados, masterclass de Fedor, concierto privado y hasta una cena con el artista.
 

Queremos que participes y nos des tu apoyo porque Fedor y su proyecto se lo merecen.

 

LA CAMPAÑA DE VERKAMI COMIENZA EL 1 DE MAYO DE 2017

 
Puedes comenzar a ayudarnos apuntándote a la lista de correo y te tendremos informado (¡y quizás recibas algún regalo extra!)
Te garantizo que tu correo solo será utilizado para la campaña de Fedor. 
 
 
Y aquí te dejo el programa del CD, para ir "abriendo boca"
 
G. Belotti..............................Stangata
M. Roger...............................Final Land
E. Eckart..............................Sin Palabras
L. Gasser.............................3 piezas para piano
B. Casablancas..................Si, a Montsalvatge
A. Bassok............................3 piezas para piano
J. Rossinyol.........................Ars Idyllica
J. J. Guiterrez Yzquierdo...Divertimento
D. Gonzales de la Rubia....Tres pintores japoneses
R. Picó...................................Fantasía en Rojo**
 
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Guía para grabar tu coro (tú mismo) (I)

by moon 0 Comments

Grabar tú coro es una buena idea. Puede ayudarte mucho a mejorar, aunque no siempre es fácil es escuchar el resultado. Es duro escuchar nuestras propias imperfecciones y a menudo somos mejores críticos que interpretes. Pero si lo afrontas con ánimo positivo te dará información de cual es el resultado real de vuestro trabajo. 

Voy a explicarte algunas maneras sencillas de grabar tu coral comenzando desde el método más sencillo hasta el más complejo. Deberás escoger la que mejor se adapte a tus posibilidades y necesidades, siempre teniendo en cuanta de que hablamos de grabación no profesional. 

Lo primero es desechar totalmente grabar con el móvil. No lo hagas ni siquiera con los mejores de esa marca tan conocida. Te explico los motivos: el sonido no es estero (sino monofónico)  no tiene graves, los agudos medios están saturados, no hay profundidad ni espacio... ¿quieres que siga? Más que una grabación escucharás una pasta.

A veces los cantantes de mi coral hacen grabaciones con su móvil y tan contentos que están. Pero si realmente quieres que la grabación sea útil  y no engañarte con el resultado necesitas una de las siguientes opciones.

GRABADORAS PORTÁTILES

Grabadoras portátiles

Son pequeñas, te caben en la palma de la mano y las llevas en un bolsillo. Para grabar un ensayo o un concierto de manera rápida y práctica son ideales.

Ventajas: son muy fáciles de transportar e instalar. El precio es muy asequible (las hay desde cerca de 100 €). Tienen una calidad de sonido aceptable y te permiten extraer el audio para después editarlo en tu ordenador.

Desventajas:  los micrófonos van incorporados y en una posición fija que no puedes adaptar a tus gustos o necesidades.  No puedes cambiar ningún componente individualmente, es un bloque y si quieres mejorar el sonido, debes comprar una nueva (exceptuando las de gama más alta que ofrecen la opción de conectar tus propios micrófonos). Generalmente solo permiten grabar 2 pistas simultáneamente (o 4 como mucho) La calidad de sonido es buena pero no es profesional y aunque hoy en día vemos editadas todo tipo de grabaciones, no es lo ideal. A veces no son fáciles de situar con público, aunque hay soluciones para situarlo en un soporte de micros. Y, por último, si quieres hacer una edición cuidada, necesitarás extraer las pistas y editarlas en un ordenador. 

 

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Las especificaciones de una grabadora portátil son muy variadas. Funcionan con batería, a pilas, corriente. Puedes trabajar con diferentes formatos de audio (wave, mp3, ogg...). Los micrófonos  que llevan  se disponen como ORTF o  A/B (ver gráfico abajo).  En general, cómo en todo, a más precio mejor calidad y más posibilidades. Te recomiendo que escojas una de entre las marcas de referencia como Sony, Tascam, Edirol o la más popular,Zoom. Así seguro que no te equivocas. 

Algunos consejos de uso:  escoge bien el formato de grabación. Si no tienes mucha idea, quédate con el standar de 44.1  khz y 16 bits. Por ejemplo, si grabas a 96Khz/24 bits  y luego el software que usas no tiene esa opción, tendrás un problema (no tiene difícil solución, pero puede que necesites ayuda).

Escoge muy bien el lugar donde colocas la grabadora. Si en un concierto la sitúas entre el público avisa  a los que están al lado de que permanezcan calladitos. La cantidad de reverberación también es importante en este caso pues si pones la grabadora muy cerca del coro se oirán las voces de una manera muy individual, pero si la alejas tendrás demasiada reverberación  y poco sonido de la coral.

CON TARJETA DE SONIDO Y ORDENADOR

Aquí entramos ya en el nivel superior, a medio camino de la grabación profesional. 

Grabación con tarjeta de sonido

Grabación con tarjeta de sonido

Micrófonos: necesitas dos para conseguir el sonido stereo, han de ser iguales y de tipo condensador (también conocidos como "de ambiente"). Unos tipo lápiz de patrón cardioide pueden ser los mejores para empezar. En la gama media-baja te recomiendo los Oktava MK12, RODE NT4 o Samson CO2 . Es imprescindible que los dos micrófonos sean iguales.

Hay muchas maneras de situarlos. A "grosso modo" mírate las tres que se dejo abajo. No hay suficiente lugar en este articulo para hablar de maneras de microfonar, de hecho hay libros y libros. Lo mejor es que hagas varias pruebas a ver en qué disposición te gusta más cómo suena. 

 

LA COLOCACIÓN DE LOS MICRÓFONOS

 

 

Tarjeta de sonido: es una cajita donde entran los micrófonos y que se conecta al ordenador por USB o algún otro tipo de conexión. Desde que la electrónica de consumo nos ha llegado, hay muchas en el mercado. Encontrarás de muchos precios y no es dificil conseguir alguna con buen sonido cerca de los 100 €. Para poder grabar un coro ha de tener como mínimo dos entradas de micrófono con alimentación phantom y salida para auriculares y/o altavoces.  Se controla por software desde el ordenador. Casi todos los modelos sencillos traen algún programa para grabación ya sea de regalo, de prueba o limitado. 

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Ordenador: es donde conectaremos la tarjeta de sonido. Cualquier ordenador portátil de gama media tiene hoy en día tiene suficiente potencia para hacer y editar una grabación . No se necesita ninguna especie de conexión especial, exceptuando la que pida la tarjeta: Las más comunes son hoy en día  USB2, USB3 o Lightning (Apple). No aceptes conexión Firewire que está obsoleta y no se fabrica más.

Auriculares: una de las normas básicas de la grabación es escuchar en tiempo real lo que estas grabando (técnicamente se llama monitorizar). Este es un punto crítico en la grabación para  poder saber si estas tomando las decisiones correctas en cuanto a colocación de los micrófonos. Te recomiendo que no uses auriculares que valgan menos de 80 €. Lo mejor es que te cubran los oídos  y completamente cerrados (over ear) para aislar. Un error común es escuchar con los auriculares del móvil. 

Software: posiblemente tu tarjeta de sonido, según la marca, trae alguno sencillo. Si no es así, puedes usar Audacity  que es el más conocido. Yo personalmente te recomiendo Magix Music Maker. La versión gratuita tiene suficientes recursos cómo para grabar y editar varias pistas de música coral sin ningún problema.  

AL FINAL

Una vez hayas hecho la grabación deberás editar, mezclar, masterizar y entregarla en un formato de audio como wave (mejor calidad) o mp3 (para Internet, por ejempo).

Esta es solo una muy pequeña introducción al maravilloso mundo de la grabación.

Piensa bien cual es la opción que más te conviene antes de hacer una gran inversión. Es muy importante que tu equipo esté equilibrado. De nada sirve tener unos micrófonos carísimos con una mala tarjeta.

Si te interesa que añada más artículos ampliando estos temas escríbeme a info@insitumusic.com o deja un comentario.

 

Antonio-Velasco-InSitu

© Antonio Velasco Polonio 2017, compositor, técnico de sonido profesional y productor en InSitu grabación y edición musical www.insitumusic.com.

¿Porqué subir mi música a Spotify?

by moon 0 Comments
orque-subir-musica-Spotify
Buscando por la red he encontrado muchas empresas y servicios te ofrecen subir tu música a Soptify, iTunes etc.  Pero no te responden a la pregunta que en realidad más me hacen los artistas: ¿Por qué he de subir mi música a las plataformas de distribución digital? 
 
No tengo dudas de que la música online no es el futuro, sino el presente. Lo dicen los números, 2016 ha sido el año de mayor crecimiento para la industria discográfica desde hace quince. La música en plataformas creció en un 57%. (datos facilitados por industriamusical.es)
 
Estamos viviendo un cambio total de cómo adquirimos y escuchamos música. Una transformación similar a la popularización del gramófono en la primera mitad del siglo XX, cuando muchos artistas pensaron que su mundo desaparecía y se les negaba la oportunidad de continuar ejerciendo su profesión. Si la música se compraba empaquetada , ¿quien la escucharía en directo?, ¿qué harían todos los músicos que no tenían acceso a la grabación?
 
Pero los cambios no piden permiso ni esperan a nadie y, desgraciadamente, esos artistas tenían razón. Gracias al control de los medios de producción y reproducción la industria discográfica ha tenido durante casi un siglo secuestrada a la música, decidiendo qué se escuchaba, quien podía grabar o no y dirigiendo los gustos del público. La irrupción de Internet en nuestras vidas ha dinamitado la ecuación artista / discográficas / público, permitiendo poder suprimir el intermediario y pasar directamente una nueva relación artista / público. 
 
  

Cambios en la relación artista / público

 
Ahora bien, este cambio ¿es bueno o malo para mi como artista o profesional de la música?
 
Al final del artículo te daré mi respuesta personal a la pregunta.
 
Pero primero vamos a analizar un poco que es lo que ganas y pierdes con la distribución digital de tu música. 
 
PROS
 
. Visibilidad: puede que seas el tipo de artista que hace música solo para su disfrute, o para un reducido círculo y que no deseas ampliar. En ese caso la distribución online no es para ti. Pero para la mayoría,  Internet te va a permitir acceder a un público con el que muchos artistas jamás habrían soñado hace unos años. Con un simple upload puede que te escuchen en las antípodas. Seguro que conoces a más de un artista realmente bueno que nunca llegó a ser conocido por no haber conseguido un contrato discográfico. Ahora ningún señor en un despacho te dirá que tu música no interesa.
 
. Abaratamiento: poner tu música al alcance de todos es brutalmente más barato que en la era pre-internet. Antes eran necesarias campañas en los medios (radio, televisión, revistas...), no había otra manera de darte a conocer. Unos recursos a los que la inmensa mayoría de los artistas no tenía acceso. ¿Cúanto cuesta ahora mostrarte en  youtube, Spotify, etc.?
 
. Conectar con tu público: por primera vez puedes interactuar con ellos. Escucharlos y que te escuchen. Hablarles directamente y crearte una comunidad de seguidores. A lo mejor no son muchos en tu ciudad, pero puedes sumar unos pocos en cada país y que al final que sean legión. Es lo que se llama la larga cola (long tail).  
 
. Control: tu decides cómo y cúando presentas tu música. También controlas tu imagen y cómo quieres que te conozcan. Ya nadie puede obligarte a vestir a la moda o imitar a los que más venden. Puedes ser tú mismo. Seguro que encuentras a muchas personas que les gusta tal como eres.
 
 
CONTRAS
  
. ¡Otra vez las discográficas! sí, ¡ellas! Aún se comen la mayor parte del pastel.  Entre las principales discográficas se repartieron 11.000 millones de dólares de ingresos brutos en 2016. Todas estas grandes empresas son también accionistas de Spotify, ¿lo sabías? y pueden decidir quien va en las famosas listas y que CDs te recomiendan. A nivel de mass-media siguen siendo las que controlan el mercado.
 
. Pierdo ventas de CDs fabricados: este es uno de los puntos más discutidos. La pregunta es, si no escuchasen tu música en la red, ¿la comprarían?. El gasto en música se está recuperando. En 2015 creció un 2,7% y en 2016 un 6,7%. Pero el crecimiento se basa en el aumento del consumo de la música online. Ahí es a donde va el dinero a partir de ahora. Piénsalo al revés, si yo dejo de publicar mi música en internet, ¿aumentarán mis ventas de CDs?... no creo. Si al final todos los grandes (Metallica, Led Zeppelin, Pink Floyd...) han acabado en la distribución online es porque saben que no estar no les va a devolver sus ventas millonarias. Aquellos tiempos se fueron para no volver. El CD ahora no es una fuente de ingresos, es un objeto, como una camiseta de tu grupo. Tienes que integrarlo como un elemento más de tu marketing.
 
. Bajo escalón de entrada: todo el mundo puede publicar en Spotify o Youtube, cualquiera puede subir su álbum. Ya no hay ningún filtro. El público decidirá que es lo que quiere pero, de entrada, tendrás que partirte la cara con montones y montones de ofertas musicales de cientos de artistas. Muchos con propuestas y medios parecidos a los tuyos. Va a ser muy difícil destacar y por eso es importante que te diferencies, que tu propuesta no sea la misma que la de los demás.  Sigue siendo el mismo pastel, pero ahora hay muchos más comensales. 
 
 
 
. Rentabilidad: la media que paga Spotify en royalties por canción reproducida asciende a 0,005 euros, es decir, medio céntimo de euro. El propio manager de Metallica, Cliff Burnstein, calcula que el negocio en Spotify comienza a partir de los 20 milllones de fans. No te conozco, pero si tienes tiempo e interés en leer este artículo es porque probablemente no tienes 20 millones de fans. Para la inmensa mayoría de artistas, el beneficio económico no es el motivo para distribuir tu música online. De hecho, según tu tamaño, vas a perder dinero (aunque no grandes cantidades) y te va a costar más el servicio de upload de lo que puedes llegar a recibir en royaltis.
   
EN RESUMEN
 
Mi opinión es que no importan las ventajas e inconvenientes de subir tu música a las redes. No tienes elección. Este es el camino del futuro de la música porque así lo ha escogido el público y te lo demuestra  no comprando CDs pero sí pagando por descargas o streaming.
 
La alternativa a la distribución por Internet es el anonimato. Igual que una empresa hoy en día no puede plantearse no tener correo electrónico. 
 
Hay que aceptar que el modelo de negocio está cambiando. Antes se actuaba para vender el CD, ahora se vende el CD para conseguir actuaciones. Aún no tenemos muy claro de qué vamos a vivir en los próximos años, pero sí que te puedo asegurar que para el 90% de las artistas no va a ser de la venta de CDs.
 
CÓMO PUEDO AYUDARTE
 
Puedo hacer que tu música esté en todas las plataformas sin que pierdas su control. Te ofrezco un trato justo y gestión transparente. 
 

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Cómo elegir sala para hacer una grabación de música clásica

A menudo los mismos músicos me proponen el lugar donde desean hacer la grabación. Para mí es importante saber hacer una evaluación rápida cuando no hay posibilidades de hacer mediciones acústicas en profundidad. 

Cualquiera que se dedique a la grabación musical profesionalmente sabe de la gran influencia de las cualidades acústicas de la sala en el resultado sonoro de una grabación. Hay ingenieros que incluso sitúan esta importancia por encima de la calidad de los micrófonos, de los previos o de los conversores digitales. 

Grabar música clásica con instrumentos  acústicos significa que siempre hemos de buscar un sonido lo más parecido a la realidad, a la sensación de estar en una sala de conciertos auténtica o en la sala de ensayo de los músicos. Para mi, grabar es como mirar la música a través de un cristal. Si el cristal está empañado, sucio o es de colores no veremos/escucharemos la musical en su verdadera dimensión.  La acústica es el cristal que hay entre la música y nuestra escucha.

Pero tengo que decir, que a veces cuesta convencer a algunos músicos de que una sala no es la correcta para tener un buen resultado. Algunos músicos valoran más la sala propuesta por las comodidades , las condiciones económicas (los auditorios y estudios profesionales son caros) o simplemente por la logística (vaya, que está cerca de su casa). Así que lo primero es concienciar de la necesidad de escoger bien la sala.

Yo siempre comienzo con dos consideraciones generales:

Primero, no existe un acuerdo sobre cuales son los valores exactos para conseguir que la acústica de una sala sea perfecta. Es como con la fabricación de instrumentos (por ejemplo los stradivarius), siempre hay un cierto  "misterio", un algo que no se puede medir pero que hace que el sonido de esa sala sea excepcional. Así que escuchar atentamente es vital para evaluar la sala.

Segundo, tener claro de que estamos hablando de acústica para la grabación, no para el público ni para el músico. La asistencia de público, desde el punto de vista de la acústica tiene el mismo valor que cualquier otro elemento arquitectónico. Es importante considerarlo porque su presencia (generalmente absorbente) o ausencia influye mucho en la acústica. Pero no mucho más.

Al músico le haremos un poquito más de caso, pues como ya expliqué en el articulo Cómo prepararse para una grabación de música clásica es imprescindible tenerlo contento y que se sienta a gusto para interpretar bien. A menudo se da el caso de que una sala que no gusta a los músicos para interpretar (normalmente porque es muy seca)  va a resultar buena para una grabación. El músico (especialmente el cantante) prefiere escucharse a sí mismo con mucha reverberación, ya que le "acompaña". Habrá que buscar un compromiso entre los dos extremos. 

Los tres aspectos que más tengo en cuenta para elegir una sala donde hacer una grabación son:

. La reverberación
. El "color" de la sala
. La insonorización

La reverberación

El tamaño de la sala es el elemento principal en el tiempo de reverberación. Quizás no es necesario explicar aquí que es la reverberación, pues como decía uno de mis profesores en la escuela de audio "hasta un niño puede notar la diferencia entre mucha o poca reverberación". El valor en que técnicamente se mide la reverb es de RT 60, que es et tiempo que transcurre desde la emisión del sonido hasta que el nivel de presión sonora cae 60 dB con respecto a su valor inicial. Explicado fácilmente: si emito un sonido en la sala y a los dos segundos ya no oímos ningún eco, pues ese es el tiempo de reverberación: 2 segundos.

Pero, ¿cual es la reverberación correcta? pues depende de la formación (orquestal, de cámara, solista), de la estética de la época, del ritmo interno de la música etc.

Yo, personalmente, en igualdad de condiciones, prefiero escoger salas  más bien "secas" (poca reverberación). Lo comparo con el uso de la sal:  añadir más siempre es posible, pero quitar... Puedo añadir artificialmente (digital o analógicamente) más reverberación a una sala en la mezcla, pero si la grabación se ha hecho con un exceso de reverb, eso no hay quien arregle. Aunque encuentres algunos trucos por Internet con los que te prometen que es posible quitar reverb, siempre son chapuzas para maquillar un poco, y aquí estamos hablando de "cosas serias".

Abajo te dejo un gráfico que he preparado (alguno pensará que demasiado simplista) pero que creo que puede ser orientador. También te recomiendo que ante la duda, escuches grabaciones consideradas buenas (a nivel técnico) de la obra o el estilo que vas a grabar.

 

 

Por supuesto, también influye la época en que se ha hecho la  grabación. Tengo la sensación de que antes se grababa con mas reverberación que ahora. Actualmente se prefiere el sonido más directo. No tengo estudios que lo demuestren. Una posible explicación que a mi se me ocurre es que antes  la edición no permitía un trabajo tan milimétrico como el que hacemos hoy en día gracias a los ordenadores. Por esto inconscientemente se buscaba un sonido más de conjunto y se evitaba tanto detalle. Es solo una idea.

Por último, el tiempo de reverberación es solo una parte del parámetro, también cuentan la densidad y la cantidad de reflexiones, las frecuencias que más reverberan etc. Pero esto quizás lo dejaremos para otro post. 
 

 

El color de la sala
 
Este depende de cómo se reflejan y distribuyen las frecuencias en la sala.  Si hemos dicho que la naturalidad del sonido es lo más buscado en música clásica, por lógica debemos buscar una sala en la cual cada instrumento se refleje en todas sus frecuencias, sin que unas se realcen más que otras. Pero esto no sucederá  en muchas de las otras salas que nos ofrecerán para grabar.
 
Cada sala tiene un color determinado, técnicamente llamado modo y a menudo es diferente en distintos puntos de la sala.  Los estudios de grabación y auditorios están diseñados para  minimizar las diferencias de modos en la sala. Ese es, entre otros, trabajo de los arquitectos e ingenieros acústicos. 
 
Ya que muchas veces no será posible hacer un estudio con mediciones acústicas detalladas de una sala, tendrás que observar elementos que nos dan pistas de como va a sonar.
 
Yo acostumbro a fijarme en los siguientes items:
 
La disposición de las paredes: evita las paredes paralelas ya que fácilmente generan cancelaciones de frecuencia. Las cancelaciones se producen cuando una onda sonora va hacia una pared, se refleja y vuelve, encontrándose consigo misma (pero con la onda invertida). Según las leyes físicas del sonido esto provocará que haya frecuencias que se anularán entre sí y desaparecerán. Menos frecuencias significa un sonido mas pobre. Se que esto es difícil de entender así, en un plis-plas,  pero créeme, ¡huid de las paredes lisas paralelas!
 
El material de construcción de las paredes: los materiales rugosos e irregulares hacen que las frecuencias se distribuyan uniformemente y el sonido sea más rico. Los revestimientos totalmente lisos y que no absorben sonido nos provocaran la típica sonoridad que yo llamo "de lavabo", que es muy pobre en frecuencias y crea confusión sonora. Evita los materiales como cerámica, yeso o pladur. La madera y la piedra son ideales.
 
El tamaño debe ser apropiado al tipo de grabación que quieres hacer. Una reverberación superior a los 4 segundos no será buena ningún caso (exceptuando quizás al gregoriano).
La insonorización
¿Cuanto aislamiento necesitamos? pues todo el que puedas conseguir tanto externo (sonidos que vienen de fuera) como interno (suelos que crujen, tuberías...). 
Muchos de los pequeños ruidos desparecerán mientras entra la música por los micrófonos. Pero según la ley de Murphy las campanas y la moto siempre se escucharan justo en el momento en que la música se está acabando o en los pequeños silencios. Los técnicos tenemos herramientas digitales que pueden quitar parte de esos ruidos, pero intento no decírselo a los músicos, que se confían. Así que siempre que es posible propongo repetir la toma.
 
Y si, al final, tenemos ruidos, encuentro más tolerables los ruidos "naturales" (pájaros, lluvia, viento...) que los los mecánicos (coches, ambulancias, metro etc.)
 

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Para acabar te propongo algunas cosas que puedes hacer para mejorar las condiciones de la sala que te ha tocado en suerte.  
 
. Busca los puntos donde la sala suena mejor escuchando con ojos cerrados.
. Sitúa los micrófonos intentando no recoger muchas reflexiones de las superficies planas. Aléjalos de las paredes.
. Calcula la distancia de equilibrio ideal entre los micrófonos y los instrumentos en función de la reverberación de la sala (especialmente si esta no es buena). Demasiado cerca el sonido es áspero y poco natural, pero a más distancia es lejano y confuso.
. Pon elementos por medio que rompan los paralelismos. Librerías, paneles etc.
. Usa cortinas y moquetas.  Cuidado con esto ya que las cortinas son una solución de compromiso porque no afectan a todas las frecuencias por igual.
. Si el suelo es de madera y hace ruido, propón grabar con calcetines o cubrirlo..
 
¿En qué situaciones te has encontrado como músico o técnico al grabar en alguna sala?
 
Estaré muy contento de recibir tus comentarios.
 
 
 

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© Antonio Velasco Polonio 2017, compositor, técnico de sonido profesional y productor en InSitu grabación y edición musical  www.insitumusic.com

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Cómo elegir sala para hacer una grabación de música clásica por Antonio Velasco Polonio se distribuye bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-SinDerivar 4.0 Internacional.
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Grabación con Morphosi Ensemble – música clásica contemporánea

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Sesión de grabación de música clásica contemporánea para el segundo CD de INS records.  Nuestro sello discográfico especializado en música clásica contemporánea.

 Esta vez estuvimos en el Auditorio de la Escuela Municipal de Música de Mora de Ebre (Tarragona). Una sala no muy grande pero con una acústica bastante apropiada para una formación pequeña de cámara.
 
Nos reunió la grabación de la obra "L'irrémédiable Écart", obra del compositor barcelonés  Octavi Rumbau (1980).
 
Octavi ha desarrollado gran parte de sus estudios en Francia y en su currículum cuenta con varios premios como  el Concurso de composición Frederic Mompou 2005, el Concurso de composición Dolors Calvet i Prat  en 2008, el Concurso de Composición Colegio de España y del Instituto de las Artes Escénicas y de la Música 2012. Ha recibido becas y ayudas de unos cuantos gobiernos e instituciones. ¡Y por si fuera poco es una persona muy agradable, atenta y colaboradora!
 
"L'irrémédiable Écart" fue escrita entre 2012 y 2013 y revisada especialmente para la grabación de ete 2017. Su forma es un largo desarrollo, con algunos puntos culminantes, y que se centra en la exploración de las posibilidades del tiempo musical y su relación con la música electrónica.  La asistencia de Octavi a los cursos de música electrónica del IRCAM ha sido sin duda una gran influencia en su discurso musical.
 
Y qué decir de los músicos... fantásticos, a un gran nivel y además totalmente implicados en conseguir la mejor interpretación. Tuvimos a Monica Mari (cello) y Ferran Carceller Amoros (percusión) que repetían de la anterior sesión de grabación y además se añadieron Eric Benito Fuster (saxo) y Tomeu Moll-Mas (piano) venido exprésamente de Mallorca. Todos dirigidos musicalmente por Àlex Sansó.

Además contamos con la presencia del compositor Octavi que colaboró con los músicos para conseguir una interpretación ajustada a su concepción de la obra.

¡Y cómo no!, nombrar a Joan Bagés que es el director artístico de Morphosi Ensemble y la persona que con su dedicación está coordinando cada sesión. Algo que tiene mucho mérito pues no es nada fácil cuadrar agendas e intereses.

Muchas gracias a todos por el esfuerzo para hacer del CD de INS records una futura obra de arte y testimonio de la música clásica contemporanea de nuestros días.

 

 

¡Contacta si quieres grabar tu CD!

 

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© Antonio Velasco Polonio 2017, compositor, técnico de sonido profesional y productor en InSitu grabación y edición musical  www.insitumusic.com

Grabación del concierto del Orfeó Barcelonès

El pasado día 26/1/2016 estuve  grabando el concierto de Navidad del Orfeo Barcelonés en la Seu del Disctricte de Gracia de Barcelona.

No es la primera vez que trabajo con el Orfeó Barcelonès y su director Carles Sist. Anteriormente ya habíamos realizado dos CDs y algún que otro concierto.  Es una satisfacción para mi continuar con esta relación que se remonta a casi mis inicios con InSitu. 

La historia del Orfeó Barcelonès se inicia nada más y nada menos que en 1853. Es el primer Orfeón  fundado en España y de los primeros creados en Europa. Cuenta con la increible historia de 160 años.

La última etapa del Orfeó comienza hacia el 2006 con la dirección de Carles Sist (su actual director). Su repertorio actual es muy variado, a base de standards de varios estilos musicales como el gospel,  la canción popular, la canción catalana de autor, el pop y cualquier pieza conocida susceptible de ser cantada de manera coral. A menudo con arreglos del mismo Carles. 

Fue un concierto muy  agradable y agradecido. 

La grabación se realizó a partir de 8 micrófonos. Situé un par principal frente al escenario en XY. Además puse un micrófono por cuerda vocal (sopranos, tenores, contraltos y bajos) para poder posteriormente dar algo más de presencia en la mezcla. También situé otros dos más situados a los lados del director para captar los solistas que había en algunas obras. En alguna piezas había además un acompañamiento de teclado electrónico programado que simplemente recogí como ambiente y que posteriormente añadiremos en el estudio regrabandolo. 

Pronto comenzaremos a trabajar en la mezcla y edición.

¡Contacta si quieres que grabemos tu concierto!

 

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© Antonio Velasco Polonio 2016, compositor, técnico de sonido profesional y productor en InSitu grabación y edición musical  www.insitumusic.com

MIS ARTÍCULOS MÁS RELEVANTES DE 2016

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mejores articulos InSitu 2016
En los últimos meses he intentado estar más activo en el blog y publicar más a menudo contenido que pueda ser interesante y útil dentro del campo de la grabación de música clásica y edición discográfica.
 
Ya tengo unos cuantos temas y proyectos recopilados para el próximo año 2017 y espero poder escribir bastante y con regularidad. Mientras tanto os dejo aquí unos una pequeña selección de los artículos que creo que tienen más contenido y que son más relevantes de los que he publicado en este año 2016.
 
¡FELIZ AÑO NUEVO!
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© Antonio Velasco Polonio 2016, compositor, técnico de sonido profesional y productor en InSitu grabación y edición musical  www.insitumusic.com

GRABACIÓN DEL CONCIERTO DE ZOCO DUO: GUITARRA Y OBOE CORNO INGLÉS

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Continuamos con la grabación de  música clásica contemporánea y nos trasladamos al Auditorio Eduard  Toldrà de Barcelona (Conservatorio Municipal de Música) para grabar el concierto del Duo Zoco formado por el australiano Jacob Cordover (guitarra) y la norteamericana Laura Karney (oboe/ corno inglés)

 
Lo primero que nos llama la atención es el nombre del dúo ya que zoco es una palabra de origen árabe qué nos traslada a un mercadillo de olores, sabores y sonidos exóticos. ¡Pero lo forman un australiano y una americana! Sin embargo si exploramos un poco más veremos que hay alguna explicación para  para este nombre. La primera es que actualmente el dúo reside en Barcelona, aunque viajan constantemente para ofrecer conciertos por todo el mundo. La segunda (y esto es imaginación mía) son los orígenes sefardíes de la familia de Jacob. Si queréis más información sobre ellos podéis visitar su web. Por mi parte he de decir que son de una gran cordialidad y trato sencillo. Todo fueron facilidades
 
En el concierto se interpretaron mayormente obras de compositores catalanes actuales miembros de la Associació Catalana de Compositors  ya que se trata un de un concierto que pertenece al  ciclo Avuimúsica 2016 en el cual los intérpretes estrenan obras de los miembros de la  Asociación.
 
Yo, personalmente, como compositor también de la llamada música clásica contemporánea y miembro de la Asociación agradezco el compromiso de los intérpretes con está música.
 
Disfruté del concierto por la calidad de las obras y por la interpretación, de la que destacaría la claridad de lineas,  la expresividad contenida y el conocimiento y comprensión de cada obra. 
 
En este vídeo podéis escuchar unos pequeños fragmentos de la edición-

Brought to you by: InSitu via Huzzaz

 
Aquí os dejo  el programa
 
  • Descente en rappel de Cristina Vilallonga (oboe y guitarra)
  • Petita Suite de Jordi Parramon (oboe y guitarra)
  • Quatre peces de Naïf Jordi Codina (oboe y guitarra)
  • Soliloquio Op. 84 de Marcel Olm (guitarra)
  • Desacord de Maria Rosas Ribas (guitarra)
  • Vidalita agridulce de Eduardo Diago (corno inglés y guitarra)
  • Milonga n. 5 de Fernando Carlos Tavolaro (corno inglés y guitarra)  arr. Cordover-Karney
 
Si deseas que grabemos tu concierto, ponte en contacto con nosotros 
 
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© Antonio Velasco Polonio 2016, compositor, técnico de sonido profesional y productor en InSitu grabación y edición musical  www.insitumusic.com.